Realización I – Clase VII: Raccord o Continuidad – parte 1.

Por Mariano Castaño, Néstor Fonte y Fabio Vallarelli.

ARMADO DE IMAGEN DESTACADA

Bibliografía para esta clase:

ESTAMOS APROVECHANDO PARA REVISAR LA BIBLIOGRAFÍA, PRESTEN ATENCIÓN MÁS QUE NADA AL CONTENIDO DEL TEXTO. DE SER NECESARIO LES APORTAREMOS OTRO MATERIAL.

El raccord es el hilo invisible que cose la escena. No me puse poético, es tal vez la mejor forma corta de expresarlo. Si vamos a la forma larga, ya es otro menester.

La definición más académica de continuidad o raccord, según Karel Reisz (1), sería

“Raccord quiere decir unir dos planos de manera que el paso de uno a otro no dé lugar a una falta de coordinación entre ambos que rompería la ilusión de estar viendo una imagen continuada”.

Esta correlación no siempre fue obvia. En algún momento de la historia del cine, se decidió que la inmersión en el relato debía ser total. Que el espectador debía abandonar la conciencia de la sala que lo rodeaba y perderse dentro de la película, su espacio y su tiempo. Para ello, debe suspenderse la incredulidad. Debe detenerse la conciencia de que existe un director, que diseñó lo que se está viendo para influenciar emocionalmente.

Al principio, los Lumiere filmaban cuanto negativo tuvieran en la cámara. Una larga toma fija, con movimiento interno, ya fuera gente caminando, trenes llegando, o ciudades en ebullición. Luego viene la evolución lógica hacia la ficción, de manos de cineastas como George Méliès. Como hemos visto, las escenas se resolvían con un solo plano alejado, como si estuviéramos viendo un escenario desde la fila 6 de la platea.

En 1898, Robert W. Paul (de la llamada Escuela de Brighton) filmó Come along, do!. El concepto era sencillo: una pareja come su almuerzo en la puerta de una exhibición de arte. Un grupo de gente se acerca a la puerta y entra. La pareja, interesada, ingresa por la puerta, y en la segunda toma, de la que solo se conservan fotogramas, vemos al caballero y a su pareja ya adentro de la exhibición, con él muy interesado en las esculturas griegas y su pareja arrastrándolo afuera.

Come along, do! (Robert W. Paul – 1898)

Se había establecido continuidad de acción mediante un corte. Estábamos muy lejos del concepto de raccord, pero la experiencia cinematográfica empezaba su camino de inmersión. La idea de que lo representado en esta toma está sucediendo y lo que sucede en la próxima es correlativo en el tiempo y coherente en el espacio, es decir, está pasando inmediatamente después en ese lugar, o en aquel al que los personajes se dirigieron, nos parece obvia, pero en su momento fue revolucionaria.

Esta idea, o bien hizo escuela, o se le ocurrió a muchos al mismo tiempo, o lo relacionaron con las historietas (tiras cómicas, como se dice en neutro) porque para el 1900 se habían propagado por todos lados.

Durante la rebelión Boxer, una agrupación xenófoba china – llamados Boxers en inglés, pero cuyo nombre era original era YIHEQUAN, ataca la misión inglesa en Beijing, durante los sucesos conocidos como “El asedio a las delegaciones”. Este hecho histórico sucedió entre el 20 de Junio y el 14 de Agosto de 1900, y fue el argumento para una de las películas más excitantes de ese año. Dura 1 minuto y 9 segundos:

Attack on China Mission (James Williamson -1900)

No solo teníamos la reproducción de un hecho histórico prácticamente en tiempo real, sino que Williamson lo filma de tal forma, que inventa la regla de eje (o Regla de los 180 grados, que ya explicaremos luego). Los espectadores viven el asedio, la expectativa, el miedo y, finalmente, el alivio, sin desorientarse espacialmente.

En 1903, Edwin S. Porter filma The Great Train Robbery. La vimos en la clase pasada, puesto que aquí está el primer paneo. Pero Porter, además, nos muestra que puede filmar en un set, y luego los personajes salen por una puerta y aparecer junto a las vías, que son reales, y luego subirse al tren, nuevamente un set, y los espectadores seguir toda la acción de manera continua, además de entender que pueden ocurrir varias cosas simultáneamente. Por algo se habla tanto de esta película en los libros de historia del cine.

The Great Train Robbery (Edwin S. Porter – 1903)

Suspensión de incredulidad

El poeta inglés Samuel Taylor Coleridge pensó el concepto de “suspensión de incredulidad” (2), para referirse a la voluntad de un lector de dejar de lado el sentido crítico, ignorando las incoherencias de la obra que está disfrutando.

“La suspensión de la incredulidad consiste en inhibir toda mirada crítica para con los parámetros de la realidad propuesta por el relato de ficción. O, mejor dicho, inhibir la mirada crítica que utilizamos para percibir, analizar y entender la realidad cotidiana y mudarla por otra mirada crítica que permita percibir, analizar y entender la realidad alternativa que propone la ficción”.

El concepto, expresado de otra manera, estaba en la Poética de Aristóteles (3), que en su Capítulo XXIV dice:

Es preferible lo imposible verosímil que lo posible inverosímil

Nadie lo decidió de manera deliberada, o al menos no hay un documento claro, pero poco a poco, el sistema de estudios de cine clásico elaboré un estándar de producción que favorecía la “suspensión de incredulidad”, y la experiencia inmersiva.

En 1968, Noel Burch escribió “Praxis del Cine” (4) y bautizó al compendio de estas formas como MODO DE REPRESENTACIÓN INSTITUCIONAL (MRI), que fue el que terminó con la etapa anterior, que sería el MODO DE REPRESENTACIÓN PRIMITIVO. Burch considera a la primera película del MRI a The Birth of a Nation (D.W. Griffith – 1914). La historia del cine la considera revolucionaria en muchas cosas, y cabe aclarar también que es racista – exaltando al Ku Klux Klan – y que suscitó una polémica que sigue hasta nuestros días.

The Birth of a Nation (D.W. Griffith – 1914)

La tesis de Burch dice que lo que conocemos como cine clásico, que es el que se produce desde 1915 hasta la década del 60, y él llama el Modo de Representación Institucional, fue la corriente dominante de producción cinematográfica, marginalizando otras formas de cine como el Modo de Representación Primitivo, cines experimentales, y hasta de idiosincrasias diferentes (cine japonés de la preguerra, cines europeos, Etc.). El cine clásico, Hollywood digamos, fue la forma predominante. La motivación de esto fue que era un cine producido desde el deseo burgués de una representación ilusoria total. Un escape de la realidad cotidiana. De ahí la definición de escapismo, pochoclerismo, y varias etiquetas en ese estilo.

Para Burch, la experiencia inmersiva de la que hablábamos, debe darse desde varias técnicas, a las que llamamos lenguaje cinematográfico, pero para que la audiencia se sienta totalmente incluida, debe darse un paso clave, que es la identificación del espectador con una cámara ubicua (que está presente en muchos lugares y situaciones y da la impresión de que está en todas partes). Y que cumple con una serie de características:

  • Trabajo de distancia cinematográfica (diferentes planos).
  • Composición clásica en tercios.
  • Diferentes movimientos de cámara.
  • Juego con alturas y angulaciones.
  • Reparto con actores principales y secundarios.
  • Tendencia en la actuación hacia el naturalismo.
  • Mantenimiento del raccord y montaje narrativo.

Y aquí llegamos al nudo de la cuestión, en cuanto a raccord, o continuidad se refiere, debemos mantenerlo en:

  • Espacio o Decorado, en tanto el espectador debe creer en el espacio como real, y por ende debe construirse esa sensación materialmente, en tanto a los decorados, ya sean reales o creados, y mediante el montaje, en tanto deben percibirse orgánicos.
  • Vestuario, que debe mantener una lógica intra-escena, es decir, no puede cambiarse de ropa el personaje como arte de magia mientras está ocurriendo algo, ni ponerse ropa fuera de cuadro (ejemplo un saco) puesto que se percibe como un error. Los cambios deben mostrarse o sugerirse.
  • Iluminación, que debe dar una sensación de continuidad, ya que lo saltos son disruptivos y ocasionan la perdida de interés del espectador, puesto que percibe dos cosas: A) hay alguien determinando que pasa y B) ese alguien no hace las cosas bien.
  • Sonido, que debe mantener la diferencia de diégesis (diálogo y efectos), extradiégesis (música incidental) y evitar saltos que saquen al espectador de la ilusión.
  • De posición e interpretación, ya que los actores no pueden aparecer movidos en una acción continua, sin haberse mostrado ese movimiento en el espacio.
  • De Dirección y Miradas, ya que las posiciones de cámara no pueden hacer perder la ubicación espacial que tiene el espectador de la escena.

Todo esto se cumple medianamente en cualquier película industrial, ya sea de Hollywood o por fuera de Hollywood hasta el día de hoy. Se necesitaba un sistema definido de esta manera, puesto que estábamos hablando de producción en masa. Cuando ven las fotos de los viejos estudios ¿no da la impresión de estar viendo una fábrica?

Directores como Martin Scorsese en vez de hablar de MRI, dicen que el cine clásico de Hollywood es un cine con todos los recursos al servicio de la Narrativa, de la historia (5). Salvo en contadas excepciones, las herramientas cinematográficas no atraían atención sobre ellas, sino que se mantenían “invisibles” para que el relato fuera el protagonista.

Veamos algunos ejemplos del Hollywood clásico:

Its a Wonderful life (Frank Capra – 1946)

The Apartment (Billy Wilder – 1960)

Y prosiguen hasta el día de hoy

Chernobyl (Craig Mazin – 2019)

El mantenimiento de la continuidad es casi perfecto en el 99.9% de las veces en el cine industrial, y cuando falla, internet lo encuentra y lo compila:

Pero vamos a detenernos en la cuestión de raccord que se debe enseñar en realización. Ampliemos: el raccord de iluminación se aprende en fotografía, el sonoro en sonido, el de vestuario y decorados es de sentido común, el de posición e interpretación es una mitad sentido común (posición) y una mitad formación (interpretación) lo verán en el futuro, cuando aprendan a dirigir actores.
El que aprenderemos aquí es el de dirección y miradas, llamado de formá común como: “EJES”.

EJES o la Regla de los 180°

La regla de los 180° determina que en una escena se establece un eje de acción entre los participantes (ya sean personajes o persona y objeto), y ese eje de acción – que es una línea imaginaria- no debería cruzarse sin recaudos, puesto que provocaría desorientación espacial en el espectador.

Nótese que escribí “no debería saltarse sin recaudos”. Esto no quiere decir que no puede hacerse. Pero ya entraremos en eso.

En el gráfico abajo, gentileza de No Film School (6), tenemos dos personajes enfrentados. Una línea punteada que establece el eje de acción entre ellos, que sería en este caso la mirada, y luego, a partir de la elección de la primera toma que se vaya a mostrar, quedan definidos espacialmente.

Si la primera toma está del lado verde, eso resulta en el personaje amarillo a izquierda de cuadro y el personaje azul a derecha de cuadro. Si me mantengo en la zona “verde” delimitada por la línea punteada, estaré siempre dentro del EJE.

1920px-180_degree_rule.svg_

180_degree_rule

Si cruzo a la zona roja, estaré fuera del eje

The Force Awakens (J. J. Abrams – 2014)

Es todo para hoy, la próxima clase retomaremos el concepto de la Regla de los 180° y además veremos cuáles son las formas de poder cruzar el eje de acción sin romperlo y otros conceptos como la Regla de 30° y el famoso Plano Master.

PD: Si quieren divertirse un rato, siempre es bueno recurrir al clásico e inigualable “Tía, no te saltes el eje”:

Notas:

1 –Reisz, K. (1960). Técnica del Montaje Cinematográfico. Madrid: Taurus.

2 – https://victorjsanz.es/la-suspension-de-la-incredulidad-en-narrativa/

http://www.aplp.org.ar/index.php/e-textos-10/373-la-suspension-de-la-incredulidad-entre-ficcion-y-pragmatica

3 – Poética de Aristoteles

4 – Burch, N. (2008). Praxis del cine (9th ed.). Madrid: Fundamentos

5- Entrevista con Martin Scorsese – https://www.youtube.com/watch?v=ftjMvYfg16k

6 – https://nofilmschool.com/2018/12/techniques-will-keep-you-breaking-180-degree-rule

Un comentario sobre “Realización I – Clase VII: Raccord o Continuidad – parte 1.

Agrega el tuyo

Responder

Introduce tus datos o haz clic en un icono para iniciar sesión:

Logo de WordPress.com

Estás comentando usando tu cuenta de WordPress.com. Cerrar sesión /  Cambiar )

Google photo

Estás comentando usando tu cuenta de Google. Cerrar sesión /  Cambiar )

Imagen de Twitter

Estás comentando usando tu cuenta de Twitter. Cerrar sesión /  Cambiar )

Foto de Facebook

Estás comentando usando tu cuenta de Facebook. Cerrar sesión /  Cambiar )

Conectando a %s

Blog de WordPress.com.

Subir ↑

A %d blogueros les gusta esto: