Realización I – Clase VIII: Raccord o Continuidad – parte 2.

Por Mariano Castaño, Néstor Fonte y Fabio Vallarelli.

ARMADO DE IMAGEN DESTACADA

Bibliografía para esta clase:

ESTAMOS APROVECHANDO PARA REVISAR LA BIBLIOGRAFÍA, PRESTEN ATENCIÓN MÁS QUE NADA AL CONTENIDO DEL TEXTO. DE SER NECESARIO LES APORTAREMOS OTRO MATERIAL.

Deciamos en la parte I: La regla de los 180° determina que en una escena se establece un eje de acción entre los participantes (ya sean personajes o persona y objeto), y ese eje de acción – que es una línea imaginaria – no debería cruzarse, entre toma y toma, sin recaudos, puesto que provocaría desorientación espacial en el espectador.

Tengamos en cuenta dos preguntas que siempre aparecen:

La primera es ¿qué pasa cuando es un solo personaje?

Teóricamente la regla no aplica cuando es un solo personaje en la escena, pero quiero recalcar que tomar esto de “teóricamente no aplica” puede llegar a ser muy molesto

Taken 3 ( 2014 ¿importa mucho quien dirige?)

La segunda: ¿Qué pasa cuando son más de 2 personajes?.

Mantener la orientación espacial es sostener la idea primigenia de ubicación que se estableció en la escena. Aquí, en el décimo episodio de la sexta temporada de Game of Thrones, tenemos una reunión multitudinaria en el gran salón de Winterfell. Preside la misma Jon Snow. La escena arranca con un zoom out de su rostro (como en A Clockwork Orange). Rápidamente vamos a una toma de referencia, mostrando la magnitud de la reunión.  Hay al menos 6 personajes principales. La posición se establece y luego, según la acción va cambiando, se sostiene por dirección de  miradas entre los participantes.

Game of Thrones S06E10

Antes de pasar al próximo tema, por las dudas, una explicación bien esquemática y básica de lo que vimos para despejar cualquier duda. Preferible una animación a lo sims horrible muy muy clara, que no fijar este concepto. Sepan disculpar.

  • Permanecer, cruzar y romper

La regla de oro, ya sea para observar o romper es esa: la desorientación espacial. El director de cine y su equipo sabe cuando permanecer en eje, cuando romperlo y cuando cruzarlo.

Permanecer en Eje

Uno de los elementos más importantes de la Regla de los 180 grados es la dirección de miradas. Arriesgo más. Es EL elemento importante. Veamos una escena de estricto mantenimiento de ejes, sostenida en base a la dirección de miradas. Ustedes dirán ¿por qué es tan importante si es una escena simple y se mantienen en eje todo el tiempo? Justamente, aun poniendo la cámara bien, respetando el eje, se pueden cometer errores con la mirada que nos desconcentrarían. No es el caso. Michael Mann hace todo bien, y de la manera más sencilla.

Heat – (Michael Mann – 1995)

En The Dark Knight, el Joker entra en una reunión de la mafia de Gotham. Tenemos no ya dos personajes, sino cinco principales. Observen como en ningún momento se pierde la idea de ubicación establecida en el principio

The Dark Knight (Christopher Nolan – 2008)

 

Romper el Eje

Si el espectador sentía comodidad adentro del eje, si sentía que las situaciones fluían en cierto orden mientras el espacio estaba controlado, entonces cuando se rompe el eje pasa lo contrario. Son situaciones de “cambio”: puede ser un cambio narrativo, en el que se apoya una inestabilidad del personaje, o una situación en la que súbitamente pierde o gana dominio. Hay una ruptura visual. En esta instancia, es secundario determinar cuáles son las intenciones del director; lo fundamental como realizadores es saber que “no es gratis”, que algo ocurre cuando ostensiblemente mostramos una rotura del eje, cuando es deliberado. Incluso por oposición a una norma establecida, romper el eje tiene significado, salvo cuando no lo conocemos, y por ende es solo un error. La peor de las razones para romper el eje, sería buscar variedad visual, pero, teóricamente, también  es válida.

En The 25thHour, el personaje es allanado por la DEA. Lo están por atrapar con kilos de cocaína en la casa. En cuanto entran, se establece un dialogo completamente fuera de eje. Se dice que “miran mal” todo el tiempo. Es deliberado. No solo hay un cambio, sino que la escena tiene que doler, tiene que molestar.

The 25th Hour (Spike Lee – 2002)

Un ejemplo de rotura del eje, permanente diría, sería A bout le souffle (Sin Aliento). Godard aquí va deliberadamente contra las convenciones del que sería llamado MRI, entre ellas, el raccord, la regla del eje y todo, absolutamente todo, lo demás.

Á bout le souffle (Jean Luc Godard – 1958) 

Aquí, claramente, no hay desorientación especial, ni quiebre formal, ni variación visual. Esta rotura de eje es puramente narrativa y con connotaciones varias:

The Shining (Stanley Kubrick – 1980)

 

Cruzar el Eje

Si ya entendemos, en teoría, como quedarnos en el eje y como romperlo, podemos ver lo que sería aún más importante que es cómo cambiar de eje cuantas veces querramos en una escena sin desorientar al espectador.

1 – Por movimiento de personaje: el personaje, en toma, se mueve y cruza el eje, estableciendo uno nuevo.

Spectre (Sam Mendes  – 2015)

A Few Good  Men (Rob Reiner  – 1992)

The Wire (David Simon – 2002) – Sobre el final muy evidente.

True Detective (Nic Pizzolato – Cary Joji Fukunaga – 2014) Lo hace muchas veces.

2 – Por movimiento de cámara: la cámara mediante un movimiento, ya sea travel, en mano, estabilizada o grúa, se desplaza y cambia de eje.

The Holiday (Nancy Myers –  2007)

Fatal Attraction (Adrian Lynne – 1987)

Heat (Michael Mann – 1995)

Training Day (Antoine Fuqua – 2001) – Sobre el final, cambio de eje con combinación movimiento de personaje y de cámara.

El estudiante (Santiago Mitre – 2011) – A medida que cambia la posición de poder en la conversación la cámara va rotando el eje entre los personajes con un pequeño desplazamiento.

 

3 – Por toma neutral o plano detalle: una toma que puede ser un plano de algo que mira un personaje, o incluso una referencia externa proveniente del diálogo o la mente de un personaje, o una toma al off.

Blue Velvet (David Lynch – 1986)

The colour of Money (Martin Scorsese – 1986) – Montones de ejemplos.

 

4 – Por toma sobre el eje: si en la sucesión de tomas, colocamos una de ellas sobre la línea imaginaria que divide los 180º, la próxima puede pasar al otro lado.

X Men First Class (Matthew Vaughn – 2011)

Inglorious Basterds (Quentin Tarantino – 2009)

 

5 – Por acción violenta o inesperada. Técnicamente esto no es un cruce, sino una rotura. Pero lo que ocurre enmascara esa rotura, y por ende, como no se percibe, se la considera un cambio. Si viene acompañada de movimiento mucho mejor.

Jaws (Steven Spielberg – 1975)

Black Panther (Ryan Coogler – 2018)

Mad Max: Fury Road (2015 – George Miller)

 

  • La regla de los 30 grados

En orden de mantener un raccord perfecto, el corte invisible y la ilusión de continuidad, existe la llamada REGLA DE LOS 30 GRADOS. Esta vez, la línea es entre la cámara y el o los personajes retratados. La regla establece que entre toma y toma, la cámara debe desplazarse al menos 30 grados, y aquí agrego algo no siempre escrito: además de los 30 grados, es conveniente hacer un cambio de plano. Por el contrario, haciendo un cambio de plano, se puede permanecer en el mismo eje, y se llama “toma en el eje”.

maxresdefault

 

  • Plano Master

El concepto del plano master es una forma de pensar el desarrollo y la filmación de una escena a los efectos de poder armar los movimientos de personajes, de cámara, plantear el eje y mantener raccord en todas las tomas.

El plano master suele ser el más abierto de la escena y es común filmar la acción íntegramente en él.  Digo suele ser el más abierto pero no siempre es así. Es los suficientemente abierto para que podamos ver la acción, el entorno y sostener el plano sonoro legible.

En los modelos industriales es fundamental para mantener el raccord. Los sistemas de estudios norteamericanos hablan de:

  • Plano Master:  lo descripto
  • OTS (Over the Shoulder): Planos y Contraplanos con referencia en un encuentro en 2 o más personajes
  • Close up: Primeros planos

Esta progresión armada con estas herramientas es, básicamente, el plano de armado de una escena para mantener raccord perfecto. Es la forma de filmar que Noel Burch definió como Modo de Representación Institucional y que consolidó el sistema de estudios.

The Godfather 2 (F.F Coppolla – 1974)

When Harry Met Sally (Rob Reiner – 1989)

 

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