Realización I – Clase IV: Altura y Angulación.

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Por Mariano Castaño (PF), Fabio Vallarelli (AC) y Néstor Fonte (AC).

Bibliografía para esta clase:

En nuestro camino para comprender cuáles son las herramientas básicas que componen al lenguaje cinematográfico comenzamos viendo la clasificación más importante que existe a partir de los niveles de representación cinematográfica y las nociones de puesta en cuadro, puesta en serie y puesta en escena. Al finalizar aquel primer apartado comentamos que lo que sigue de ahí es el análisis de la puesta en escena, observando todos los elementos que componen a la realización del film, ya no de forma aislada sino desde su integralidad.

Seguido a esto, vimos unas primeras nociones de encuadre y qué significa encuadrar. Estudiamos, a partir de las nociones de espacio on-off, que puede ser tan importante aquello que se retrata como lo que no se muestra o solo aparece insinuado. También repasamos diferentes maneras de encuadrar para producir diferentes efectos (por ejemplo, modificar el punto de vista con el que de manera habitual observamos las cosas).

En nuestra tercera clase fuimos más allá y vimos como existe una clasificación que ordena las diferentes formas de representar un sujeto u objeto en el cuadro: los tamaños de plano. Analizamos su clasificación y abarcamos una noción fundamental a estudiar de allí en adelante: la progresión dramática de planos.

Las progresiones dramáticas implican, relacionándolo con la puesta en escena, que la elección de los diferentes tamaños de plano para narrar en imagen y sonido una pieza cinematográfica no es aislada. Que tienen un criterio y una intensión. Buscan jugar con lo que tiene que sentir el espectador al ver ese fragmento. Varía si se tiene que asustar, si debe emocionarse, si se debe angustiar o si debe mostrarse indiferente.

Para continuar en esa línea debemos sumar dos criterios técnicos más, que influyen sobre el encuadre y la elección de los tamaños de plano: la altura de cámara y las angulaciones cinematográficas.

Altura de cámara

Este concepto es bastante sencillo y no tiene demasiadas vueltas. Generalmente quienes comienzan a estudiar se enredan mucho con él y le buscan complejidades inexistentes. Consejo: no lo hagan.

La altura de cámara es un concepto meramente físico. Es, entonces, la distancia que existe entre la ubicación de la cámara y la superficie dónde está apoyado el trípode o el soporte que la sostiene. La necesidad de definir esto de manera técnica obedece principalmente a cuestiones productivas ya que define qué trípode o qué soporte debo tener para elevar la cámara hasta la altura que tengo prefijada.

Existen tres alturas posibles:

  • Baja: la cámara se separa de la superficie por debajo del metro y medio.
  • Media o normal: la cámara se separa de la superficie entre el metro y medio y el metro ochenta.
  • Alta: la cámara se separa de la superficie por encima del metro ochenta.

 

¿Dónde empiezan las complicaciones que se suelen hacer? Por ejemplo, acá:

–  ¿Si estoy en un décimo piso pero la cámara está apoyada al piso la altura es alta porque estoy en un décimo piso?

– No. La cámara es baja porque la distancia que tiene con la superficie que la sostiene es inferior a 1,5 Mts.

–  ¿Y si estoy apuntando al primer piso?

– También, la altura es baja. Sí, el efecto podrá ser el de una cámara alta, pero esto no es análisis, es realización. Tienen que pensar en qué necesitarían cuando lo hagan ustedes.

Recuerden esto y fíjenlo. Es un criterio técnico para saber qué van a necesitar para hacer una determinada toma.

Veamos algunos ejemplos:

El maestro de la cámara baja es Yasujirō Ozu, uno de los principales exponentes del cine japonés. Si observan este pequeño video que recoge algunos fragmentos de sus películas verán que Ozu siempre ubicaba la cámara a una altura baja. Esa altura es para él la representación del punto de vista habitual de un japonés. Si prestan atención a cómo comen, cómo duermen y cómo realizan sus actividades tradicionales; la mirada común de un japonés es desde una posición cercana al suelo. Para lograr una mayor representación de su cultura, de su sociedad y llegar con mayor profundidad a su público, Ozu optaba por esa altura de cámara.

La cámara baja, ya en otro contexto, también podría servir para generar un misterio o suspenso sobre lo que está ocurriendo. Veamos a Hitchcock en el inicio de Extraños en un tren.

La altura media o normal es, en cine, la altura de los ojos. Su utilización tiene que ver habitualmente con intentar emular el punto de vista y la visión de un personaje.  Ya sea sentado en un bar, caminando por la calle, en una oficina o en una discusión, la mirada occidental de estos sucesos nos hace pensar que ocurren a una altura que está, en su generalidad, entre el metro y medio y el metro ochenta.

Veamos a Black Widow y a Kylo Ren pelearse en la última de Noah Baumbach. En prácticamente la totalidad de las tomas la cámara está a una altura normal. Incluso busca disimular la baja estatura de Scarlett con el metro noventa de Adam Driver.

Chris Marker hace lo mismo en Junkopia, un cortometraje al que volveremos cuando hablemos de cine documental. Si bien hay alguna que otra toma con la cámara a una altura baja, predominan casi en su totalidad las alturas normales.

La cámara alta, al igual que la cámara baja, implica modificar el punto de vista de los personajes. Veamos como la usa Coppola en la secuencia inicial de La conversación.

James Marsh hace lo mismo con el archivo fotográfico y visual del equilibrista Philippe Petit en su documental Man on Wire, donde alterna cámaras altas y bajas para exaltar el riesgo del protagonista al cruzar las Torres Gemelas.

Robert Rodríguez introduce a la llegada al hotel de Hartigan y Nancy con una cámara alta en el segundo 16′ de este fragmento de Sin City.

Angulaciones

Como señala Marcel Martin en el apunte de referencia: Cuando no están justificados directamente por una situación vinculada con la acción, los ángulos de toma excepcionales pueden adquirir un significado psicológico peculiar.

Las angulación en cine es, nada más y nada menos que, la acción de angular la cámara. Implica determinar el ángulo de cómo está situada la cámara al momento de registrar un objeto o un sujeto.

Existen cinco angulaciones posibles:

  • Normal: la cámara está ubicada en paralelo a la línea del suelo.
  • Picada: la cámara está angulada hacia abajo.
  • Contra-picada: la cámara está angulada hacia arriba.
  • Nadir o Supina: la cámara está ubicada al raz del suelo y apunta de forma entera hacia arriba. Es lo que se conoce como ángulo 0°
  • Cenital: es lo opuesto a una toma supina. La cámara se ubica de forma vertical al suelo.

Vayamos con una simple imagen ilustrativa para graficar esto.

Sin-título-1-copiaFuente: https://www.blogdelfotografo.com/

 

Vamos con algunos ejemplos.

La angulación normal es la que intenta imitar la visión humana. Es el tipo de angulación que se utiliza cuando no se intenta destacar por el ángulo de cámara la visión de un objeto o un personaje. Es habitual encontrar este ángulo de cámara en la mayoría de los casos donde se busca acompañar la acción sin provocar demasiado al espectador.

Veamos bailar Jazmín Stuart y Daniel Hendler en este fragmento de Los Paranoicos de Gabriel Medina.

El uso tradicional de las angulaciones picadas o contra-picadas es el de resaltar las posiciones de los personajes y exaltar su punto de vista. Un personaje que es observado de forma picada, dentro de un código clásico, es poderoso y destaca con relación a los demás. Lo opuesto ocurre con una angulación picada, los personajes son más débiles o vulnerables. Como siempre les decimos, no es el único uso para esto, solo sirve como ejemplo para entender cómo articular estos conceptos en la búsqueda de un efecto determinado.

Veamos entonces como Danny De Vito realza el poder que tiene la diabólica señorita Tronchatoro sobre les niñes en su film Matilda mediante la utilización del contra-picado.

O como Orson Welles hace lo mismo, pero en un sentido contrario, con el bueno de Anthony Perkins en The Trial, la adaptación de la novela Franz Kafka.

Los Coen, por su parte, muestran indefenso e inseguro con una angulación picada al emasculado personaje que compone Michael Stuhlbarg en A Serious Man (especial atención en el plano del segundo 0:59/60).

Finalmente, las angulaciones extremas, tanto la cenital como la nadir o supina son de un uso poco común y frecuente. De todos modos, podemos encontrarlas en algunos pasajes de películas.

Observemos el uso de la toma cenital que hace Hitchcock en este fragmento de Vertigo.

Leonardo Favio hace lo suyo en Juan Moreira.

Por último, Jordan Peele, en este pasaje de Get Out, articula ambas; supina y cenital.

Adenda: el plano inclinado o encuadre holandés.

Otra variación al uso de las angulaciones es el llamado plano inclinado o encuadre holandés, que consiste en mover el eje vertical y horizontal de la cámara, “sacarlo de burbuja” y registrar de manera oblicua un personaje u objeto. A veces se lo denomina escorzo también. No es exactamente lo mismo, pero se parecen.

plano-holandes_mini-810x540
Fuente: https://www.dzoom.org.es/descubre-que-es-el-plano-holandes-y-como-y-cuando-utilizarlo/

Generalmente el uso de este encuadre implica distorsionar el mundo o el ángulo de visión de un personaje. Está asociado a una alteración grave o muy explícita de cómo un personaje percibe lo que ocurre en su interior o en el exterior. Implica olvidarse de un horizonte recto y distorsionarlo.

Veamos cómo lo utiliza Brian de Palma en la primera Misión imposible para mostrarnos como el bueno de Tom se da cuenta de que le están tendiendo una trampa.

O Kenneth Branagh en Thor.

También Errol Morris, en algunas tomas de esta recreación que arma para su documental La delgada línea azul.

O, por qué no, Spike Lee lo usa en uno de los pasajes más icónicos de Do The Right Thing.

 

Como conclusión entonces, hemos visto cuáles son las diferentes angulaciones y alturas de cámara y cómo su articulación puede generar diferentes efectos según lo que se le intente comunicar al espectador. Esto, por supuesto, no es aislado; va de la mano de todo lo que ya hemos conversado las clases anteriores. El encuadre, los tamaños de plano, la puesta en serie y la puesta en escena. A su vez, como podrán percatarse en los ejemplos, las alturas y las angulaciones también se articulan entre sí. Puedo tener una cámara alta y picada, contra-picada baja, normal en encuadre holandés, Etc.

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