Por Mariano Castaño
El uso de la luz en las obras maestras de pintura y fotografía es importante como disparador visual en la cinematografía: un concepto que se conoce “cualidad fílmica”; ideas de iluminación y encuadre que preceden a la invención del cinematógrafo: Caravaggio, Georges de Latour, Vermeer, Rembrandt, Edward Hopper y Andrew Weith pintores todos de distintos estilos, que sin embargo cuentan a través de la luz y el encuadre sus historias de manera sumamente cinematográfica.
Estos pintores crean un clima a través de la dirección de la luz y guían al ojo del espectador a lo largo y ancho del lienzo con cuidadas composiciones. Acompañando estos elementos hay puntos de atención colocados estratégicamente para atraer el ojo a áreas específicas del cuadro. Estudiar las simetrías en las pinturas y sus calculadas rupturas y atender a la dirección y cualidad de la luz nos lleva la pregunta: ¿cuál es la fuente lumínica de la pintura? ¿de dónde viene? ¿Cómo esa luz principal es compensada por el relleno? o en su defecto, cuestionar si este relleno existe. ¿Hay una luz cenital iluminando al sujeto? ¿cuál es la sensación climática que nos da la pintura? ¿Cómo se aplica al género o tema de las película para la que estemos intentando crear un clima visual?.
De alguna manera, los responsables visuales de un film son inherentemente realistas o impresionistas. La fotografía está naturalmente inclinada hacia el realismo, por lo que lleva mucho trabajo inclinarla hacia algo más abstracto o no – representacional. Janusz Kaminski y Robert Richardson son Directores de Fotografía que instintivamente tratan de conseguir una imagen más impresionista, sea a través de la elección de sus lentes, de la difusión o del foco. Otros, como Roger Deakins, son más realistas, aunque gran parte de su trabajo puede considerarse de una belleza pictórica. Vittorio Storaro por su parte, nunca fue muy afecto a la difusión o el grano y se ha alejado deliberadamente del realismo; si hubiera que clasificarlo, su trabajo tiene una cualidad operística, claramente inspirada en el período barroco, específicamente en Caravaggio, quien paradójicamente, en su época, fue considerado realista aunque sus escenas fueron altamente teatrales.
Contemplar la pintura de los grandes maestros nos ayudara a reconsiderar el balance de la composición en el cuadro, bajo parámetros si bien académicamente correctos, intervenidos por el ojo y la sensibilidad de los grandes maestros de la pintura. Conocer los diferentes movimientos pictóricos nos ayudara a seleccionar cual es el que mejor representa el film que estamos creando.
Es importante diferenciar que de lo que se hablara aquí es de estilos visuales: así, cuando hablemos de impresionismo, no nos dedicaremos a films temáticamente impresionistas, sino a Directores y Directores de Fotografía que han adoptado ese estilo visual. Lo que aquí haremos es decodificar claves visuales de la pintura, e identificar su traslación fotográfica.
Muchas veces encontramos bibliografía dónde se habla del Director de Fotografía como “narrador”; pero los Directores de Fotografía no están contando historias: están ilustrándolas, y lo hacen de la misma manera que un artista ilustra un relato: aplicando sus herramientas específicas y su grado de originalidad y artesanía, únicos parámetros con los que se mide su éxito o fracaso.
Desde el punto de vista estético, lo que hace un Director de Fotografía es usar diferentes elementos y sus combinaciones: tono, contraste, color, intensidad, luz y sombra, espacio y movimiento. Para hacer esto, desde los inicios del cine, los cineastas han adoptado las formas de otras artes más establecidas. Es importante notar que el término “adoptar” no tiene de ninguna manera características peyorativas, sino que se refiere a un sistema de características estéticas. De hecho, la historia de los elementos visuales en el cine es una historia de adopción de elementos de otras artes.
Todas las artes visuales pueden servir de disparadores fotográficos; en cuanto a la pintura en particular, hay 4 movimientos que se destacan por sobre los demás y son mencionados en reiteradas ocasiones como influencia para los directores de Fotografía. Nos concentraremos en ellos.
1 – El período Barroco y el claroscuro.
La mejor y más importante pintura durante el período que comienza alrededor del año 1600 y continúa a lo largo de todo el siglo XVII, y a principios del siglo XVIII se identifica hoy como pintura barroca. El arte barroco se caracteriza por el realismo, los colores ricos e intensos, y fuertes luces y sombras. En oposición al arte renacentista, que normalmente mostraba el momento anterior a ocurrir cualquier acontecimiento, los artistas barrocos elegían el punto más dramático, el momento en que la acción estaba ocurriendo: Miguel Ángel, que trabajó durante el Alto Renacimiento, muestra a su David compuesto y quieto antes de luchar contra Goliat; el David barroco de Bernini es captado en el acto de lanzar la piedra contra el gigante. El arte barroco pretendía evocar la emoción y la pasión en lugar de la tranquila racionalidad que había sido apreciada durante el Renacimiento.
Entre los más grandes pintores del período barroco se encuentran Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Velázquez, Poussin, y Vermeer. Caravaggio es heredero de la pintura humanista del Alto Renacimiento. Su enfoque realista de la figura humana, pintada directamente del natural e iluminada dramáticamente contra un fondo oscuro, sorprendió a sus contemporáneos y abrió un nuevo capítulo en la historia de la pintura. La pintura barroca a menudo dramatiza las escenas usando los efectos lumínicos del claroscuro; esto puede verse en obras de Rembrandt, Vermeer, Le Nain y La Tour. El pintor flamenco Antón Van Dyck desarrolló un estilo de retrato cortesano, con gracia, que influyó mucho, especialmente en Inglaterra.
Características
El color, la luz y el movimiento, son los elementos que definen la forma pictórica. El color predomina sobre la línea. Incluso, los efectos de profundidad, perspectiva y volumen se consiguen más con los contrastes de luz y de tonalidades del color que con las líneas nítidas y definidas del dibujo. La luz se convierte en un elemento fundamental en la pintura barroca. La luz dibuja o difumina los contornos, define también el ambiente, la atmósfera del cuadro, y matiza los colores. La utilización de la técnica del claroscuro llega a la perfección gracias a muchos pintores del Barroco.
Se pretende transmitir sensación de movimiento. Las composiciones se complican, se adoptan perspectivas insólitas y los volúmenes se distribuyen de manera asimétrica. Mientras que la dinámica del espacio, la visión de las escenas en profundidad, la estructuración de las composiciones mediante diagonales y la distribución de manchas de luz y de color, configuran el espacio como algo dinámico, donde contornos se diluyen y las figuras pierden relevancia frente a la unidad de la escena.
Claroscuro
La iluminación en claroscuro (del italiano chiaroscuro) es un estilo tomado prestado directamente de la pintura y se ha usado en innumerables films con extremo contraste de luz y sombra. El claroscuro es una técnica de pintura que consiste en el uso de contrastes fuertes entre volúmenes, unos iluminados y otros ensombrecidos, para destacar más efectivamente algunos elementos. Desarrollada inicialmente por los pintores flamencos e italianos del cinquecento, la técnica alcanzaría su madurez en el barroco, en especial con Caravaggio, dando lugar al estilo llamado tenebrismo.
La técnica se impondría también entre los manieristas, siendo ejemplos de este uso La Última Cena de Tintoretto o su Retrato de dos hombres, que presagia las composiciones de Rembrandt. El pintor holandés ha sido uno de los más conspicuos practicantes del claroscuro, utilizando la luz en su composición para destacar sólo su objeto específico.
El estilo llamado tenebrismo no es más que una aplicación radical del claroscuro, por la cual únicamente las figuras temáticamente centrales destacan iluminadas de un fondo generalizadamente oscuro. Se ignora si por influencia de Caravaggio o por un desarrollo paralelo, el estilo cobraría mucha relevancia en la pintura española de finales del siglo XVI y comienzos del XVII, a partir de la obra del catalán Francisco Ribalta, quien Ribalta emplearía el color y la luz para dar volumen a las figuras, y para destacar los protagonistas en sus frescos religiosos, algunos de gran belleza; talentoso maestro, su estilo influiría en el de su hijo Juan Ribalta, fallecido tempranamente, y Vicente Castelló. Indirectamente pesaría también en Zurbarán y en el más destacado de los tenebristas españoles, José de Ribera; este último llevaría a su madurez el estilo, empleando los volúmenes ensombrecidos para reforzar el horror y crueldad de los temas.
Muchas de estas representaciones son de naturaleza religiosa y esa fuerte luz tiene cualidades etéreas y asociadas con lo divino como se puede observar en La Vocación de San Mateo de Caravaggio.
En el trabajo de Rembrandt, la luz no está asociada necesariamente a lo religioso; su proveniencia es material y mundana, como pueden serlo un candelabro o una ventana en un pasillo. De nuevo éstas fuentes lumínicas crean profundas sombras y los brillos lumínicos están ubicados en puntos fuertes que atraen el ojo hacia ellos.
En esta pintura la principal fuente de luz proviene de la ventana y tiene una cualidad ambarina, pero balanceando la composición hay un pequeño fuego visible en la esquina inferior derecha que guía nuestros ojos en diagonal hacia él, de manera que de una fuente lumínica hacia otra se recorre visualmente todo el cuadro por sentido de lectura.
Zonas del claroscuro
Las zonas del claroscuro se producen cuando la luz natural o artificial incide sobre el cuerpo. Entre ellas:
Zona de iluminación clara: Esta zona identifica la parte que recibe los rayos de luz en forma directa
Zona de penumbra: También llamada medio tono opaco. Esta zona identifica la zona intermedia entre la zona clara y la zona oscura; va desde la clara y hasta la oscura pasando por variedad de grises.
Zona oscura: También llamada sombra propia, es la zona que no recibe ningún rayo de luz, y se mantiene oscura.
Zona proyectada: Esta zona identifica la sombra que un objeto proyecta sobre otros objetos o sobre la superficie donde se encuentra.
Zona de reflejo: Esta zona es la parte que recibe la luz que reflejan otros cuerpos que la acompañan, se caracteriza por medios tonos luminosos. Esta técnica realza el volumen de los objetos, retratos, expresiones faciales, da más vida al dibujo.
Desde un punto de vista cinematográfico, la utilización de solo una fuente de luz, casi siempre directa, sin rellenos ni rebotes esta modelada a imagen y semejanza de este estilo de pintura; es notable que los directores y directores de fotografía hayan reproducido al claroscuro, eligiendo imitar su cualidad cromática ambarina.
APOCALYPSE NOW (F.F. COPPOLLA – 1979)
IL CONFORMISTA (B. BERTOLUCCI – 1970)
STORARO SOBRE LA INFLUENCIA DE CARAVAGGIO
Si seguimos un recorrido histórico del claroscuro en el cine, su influencia empieza en el Expresionismo Alemán.
DAS CABINET DES DR. CALIGARI (R. WIENE – 1920)
GERMAN EXPRESSIONISM
Es un hecho conocido, que el expresionismo alemán fue la inspiración de la estética del film noir.
THE THIRD MEN (CAROL REED – 1949)
THE ART OF SHADOWS – A SHORT NOIR DOCUMENTARY
Y, por supuesto, de Tim Burton:
Párrafo aparte, dentro del claroscuro, para Georges de la Tour, el más famoso de los tenebristas franceses, influenciado por Caravaggio, y debió conocer asimismo la obra de Carlo Saraceni y Orazio Gentileschi. No obstante, se relaciona más con los tenebristas holandeses de la escuela de Utrecht —en particular Gerard van Honthorst— que con Caravaggio. En los cuadros de Georges de La Tour, el origen de la luz es concreto: una vela, una bujía, una antorcha u otra forma de luz artificial, mientras que en las obras de Caravaggio, la luz provenía de un foco de origen impreciso.
BARRY LINDON (STANLEY KUBRICK – 1975)
MATERIAL EXTRA:
EL ARTE BARROCO
DOCUMENTAL SOBRE REMBRANDT
CARAVAGGIO
GEORGES DE LA TOUR
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